GRIOT: I social media hanno amplificato le conversazioni sulla salute mentale. Cosa ne pensi di queste conversazioni come persona che da tempo si occupa di benessere mentale?

Glenn Lutz: L’accesso a Internet e ai social media e la velocità con cui riceviamo le informazioni hanno esacerbato molti problemi di salute mentale. Forse in passato i cervelli delle persone non si muovevano così velocemente. Sappiamo che la depressione e l’ansia sono alimentate dal non essere presenti, dal ruminare sul passato e dal pensare al futuro. Questi problemi sono molto più diffusi e la gente ne parla. È positivo che le persone siano aperte e ne discutano, perché c’è pace nel sapere che altre persone stanno attraversando situazioni simili. C’è anche uno sforzo molto più mirato per promuovere la terapia, il che è importante. Molte persone hanno sofferto in silenzio per molto tempo e ancora oggi, quando le persone si suicidano, si sente dire dallз loro amicз : “Non me ne sono accorto, eravamo insieme il giorno prima”. Più parliamo di questi problemi e condividiamo le nostre storie, più ci allontaniamo da questo fenomeno. Quindi penso che queste conversazioni siano una buona cosa.

Per il libro hai scelto un formato di conversazione intervallato da opere d’arte. Come artista è abbastanza chiaro il motivo di questa scelta, ma ci parli di questa gamma eccezionalmente ampia di collaboratorз.

Di recente ho parlato con mia sorella del formato e dell’idea che si tratti di una conversazione molto aperta, e anche se il sottotitolo del libro rivela un’intenzione chiara di dove il libro sta andando, è comunque molto aperto e persone diverse possono trarne molto. Questo è stato importante a causa della polarizzazione. Ci sono così tante opinioni e così tanti libri e leader di pensiero o autorз o figure politiche che hanno ciascunǝ un programma molto specifico. Quando ci vengono presentate storie diverse, o semplicemente prospettive diverse, entriamo in quelle conversazioni con una posizione ben definita, da dove veniamo. Poiché il centro di There’s Light è la narrazione, la condivisione delle nostre storie ma anche l’esplorazione di noi stessз non solo come uomini Neri ma anche come esseri umani, volevo che le conversazioni fossero aperte.

Come artista, ho pensato all’ego, perché abbiamo a che fare con l’identità: siamo ciò che siamo e va bene, è una cosa bellissima e dovremmo esserne consapevoli. Ma come possiamo muoverci in uno spazio di empatia e di apertura mentale? Ho presentato There’s Light come un’offerta. Si può guardare attraverso di essa e ottenere ciò che si ottiene.

Ci sono prospettive abolizioniste accanto a prospettive di persone che erano nell’esercito o che lavoravano come agenti correttivi nel sistema carcerario. Attraverso le conversazioni e le opere d’arte, noi uomini Neri, e le altre persone che si confrontano con il libro, possiamo iniziare a riflettere su come stiamo vivendo le nostre vite in diverse geografie. In definitiva, l’attenzione principale è rivolta all’autoesplorazione e al fatto che il libro è uno strumento per iniziare a scoprire cose dentro di sé. Se una conversazione o un’opera d’arte apre qualcosa, c’è spazio per esplorarla.

Ti abbiamo conosciuto come artista concettuale e autore. Con There’s Light ti avventuri nell’editoria con la tua società e il tuo marchio, Lioraffe. There’s Light è il titolo inaugurale. Che ruolo ha l’editoria nella tua pratica?

Quando ho concepito il progetto non pensavo di pubblicarlo personalmente. L’ho presentato a diverse case editrici e a persone con cui avevo lavorato in passato e credo fosse un obiettivo molto ambizioso. L’industria editoriale è alla ricerca di una risposta specifica, è interessata a cose come “a cosa stiamo arrivando in questo libro? Qual è la tesi?”. Io volevo che fosse più aperto di così, come un cielo aperto, dove si può trovare un’immagine tra le nuvole. Dopo aver avuto varie conversazioni, mi sono reso conto che stava venendo fuori, così ho deciso di pubblicarlo in questo modo. È stata una vera esperienza di apprendimento. Per esempio, ci sono alcuni ostacoli nella distribuzione per gli/lз editorз emergenti.

Come parte della mia pratica artistica, penso a Sol Lewitt, Chris Burton e altrз artistз che hanno usato il libro per creare determinate opere. È questo che mi interessa fare con la casa editrice. Non è che voglia necessariamente diventare un editore o che sia entusiasta di quello spazio, ma c’era un ostacolo e sono arrivato al punto in cui avevo l’intenzione di finire. Sono interessato a collaborare con altre case editrici per pubblicare i libri in modo che abbiano una portata più ampia, perché in fondo si tratta di questo. Voglio che la gente veda il libro e lo tenga in mano, che lo trovi organicamente in un negozio.

Le prime pagine del libro sono molto suggestive. Presentano una serie di opere d’arte che hai realizzato a partire dal 2020. Potresti darci un’idea di questa serie descrivendola e descrivendo i collegamenti con il libro?

Queste opere saranno esposte alla Guts Gallery di Londra in ottobre, insieme a un paio di altri lavori. Quelle nel libro sono teste di lightbox, i cui corpi non sono attaccati. Fanno parte di una serie intitolata A machine that makes. Per me l’arte concettuale è come un puzzle. Ci sono state molte cose che hanno portato a queste opere. Il titolo A Machine That Makes è un riferimento alla definizione di Sol Lewitt di arte concettuale, quindi il lavoro di essere una macchina che produce e questo processo, ma prendendolo come sinonimo di questo lato della nostra mente e di come la nostra mente sia una macchina che può creare luce. Abbiamo il potere di controllare i nostri pensieri, di creare abitudini sane e di iniziare ad andare avanti. Ho pensato a una macchina che può creare luce, una macchina che è in armonia con la nostra mente. Il corpo e l’anima possono iniziare a raggiungere una sorta di illuminazione nella nostra vita o almeno a vivere una vita degna e onorevole.

Usare la lightbox per me è davvero un sinonimo del mezzo del consumismo e del capitalismo, e di come siamo inondati di immagini di lightbox. Ci vengono vendute cose diverse. Per me è anche collegato alla mercificazione dell’uomo Nero e dell’esperienza Nera, della nostra musica e della nostra cultura, che si tratti di hip-hop, moda, arte, o delle nostre maschere, che abbiamo creato per i rituali e di come sono state usate, come quando Picasso le ha portate nella sua pratica, e nell’hip hop, e di come questo si è tradotto nel k-pop e di come lo abbiamo visto. L’opera è uno specchio di tutto ciò. L’altro lato è che questi uomini erano educatori e queste foto sono state scattate all’inizio del 1900. All’epoca vivevano in America e vedevano un futuro diverso. Voglio che il mio lavoro coinvolga questo dialogo, voglio che la gente provi qualcosa e immagino che molte persone entrino e non apprezzino un’opera d’arte come questa.

Sono curioso di sapere se c’è qualcosa che è cambiato o si è trasformato mentre realizzavi il libro e che ha influenzato il risultato finale del libro.

A dire il vero è stato più che altro un peso che mi sono tolto, perché era un lavoro molto impegnativo e farlo in modo indipendente significava anche creare qualcosa in cui credevo davvero e che volevo realizzare. C’è stato un po’ di sollievo nel poter vedere il libro come un libro vero e proprio una volta pubblicato.